История мировой культуры

Капица Федор Сергеевич

МАЗОК

Прямое значение этого слова – след, оставляемый кистью, – обуславливает его понимание как важнейшего выразительного средства масляной или темперной живописи.

Мазки, наносимые художником, определяют фактуру красочного слоя, а это, в свою очередь, влияет на восприятие всей картины. Характер мазка зависит от замысла художника и свойств изображаемого им предмета. Например, отдаленные предметы исполняются «легче», чем находящиеся на первом плане. Иногда быстрые, нарочито небрежные мазки помогают подчеркнуть подвижный, порывистый характер портретируемого. Вот, например, портрет Ф. И. Шаляпина, исполненный художником Коровиным. Быстрые, четко видимые мазки передают порывистый, неукротимый

характер певца. Совершенно иной мазок на портретах работы П. Корина. Он широкий и плоский, отражающий спокойную сосредоточенность его моделей.

Иногда мазок становится очень маленьким, почти незаметным. Такой прием называется пуантилизмом (от франц. pointe – точка). Очень интересно он использован на картине И. Грабаря «Мартовская лазурь». Он помогает передать необычную яркость и чистоту весенних красок и цветов пробуждающейся природы.

Бывают и такие картины, на которых художник специально добивается крупных, шероховатых мазков, применяя для этого не кисть, а специальный инструмент – мастихин.

МАЙОЛИКА

В широком смысле майоликой называют изделия из цветной обожженной глины с крупнопористым черепком, покрытые глазурью. Свое название они получили по месту изготовления – итальянскому острову Мальорка. Время появления – XV–XVI века. Особенностью майолики является нанесение красок перед обжигом по сырой непрозрачной глазури (обычно белого цвета). После обжига получалось цветное изделие с яркими красками и крупнопористым черепком. Майолику прежде всего отличает массивность и в то же время плавность форм в сочетании с яркой цветной поливой.

Применение майолики в декоративном искусстве и ее формы были достаточно разнообразны. Это прежде всего живопись (портреты, многофигурные композиции на декоративной посуде, плакетках и панно), скульптура (работы семьи делла Роббиа), а также архитектурные облицовки, посуда, статуэтки.

Майолика была распространена повсеместно, начиная с Ближнего Востока (Египта, Вавилона, Ирака) до стран Европы (Испании, Германии, Франции), где период расцвета майоликового производства наступил в XVII–XVIII веках. Последующий его упадок связан прежде всего с появлением фаянса и фарфора.

Изделия из майолики мы встречаем в основном в творчестве художников-керамистов. Так, после второй мировой войны к ней обращаются П. Пикассо и Ф. Леже. Их творчество отличается ярко выраженным экспериментаторским характером, они ищут как новые формы, так и возможности проявления майолики в цвете, глазури, эмали.

В России майолика стала известна еще в XI веке, а в XVII–XVIII веках эта техника носила наименование ценины. Русские мастера ценинного дела изготовляли не только посуду, но и детали для облицовки домов и оформления интерьера. Они широко применялись в архитектуре Ярославля и Москвы в XVII веке (наличники окон, порталы, фризы, фигуры святых, изразцовые печи). В XVIII веке майоликовую посуду, изразцы, мелкую пластику преимущественно с монохромной росписью по белому фону выпускал завод Гребенщикова в Москве, с полихромной – мастерские Гжели.

В конце XIX – начале XX вв. майолика стала использоваться и русскими художниками. Декоративная майолика разнообразных цветов привлекла внимание М. Врубеля, В. Васнецова, А. Головина.

В современной практике майоликой также называют керамику с цветными глазурями на фаянсовом белом или цветном черепке.

(См. также Изразец).

«МАЛЫЕ ГОЛЛАНДЦЫ» – многочисленный круг голландских живописцев XVII в., называемых так в связи с камерным характером их творчества и небольшим размером картин, а также в отличие от современных им выдающихся голландских художников (например, Рембрандта или Хальса). Художники, которых объединяет этот термин (Питер де Гоох, Г. Терборх, Г. Метсю, Я. Стэн, Я. Вермеер и мн. др.), занимают важное место в истории голландского искусства. Их объединяло и то, что все они работали в области бытового жанра – сцен

городской повседневной жизни. К середине XVII века живопись этих художников начинает приобретать более холодный и беспристрастный характер. Только в картинах дельфтских художников, подражавших Рембрандту, сохраняется прежняя поэтичность и полнота воздушной среды. Но и в них постепенно начинает проявляться сухая описательность, внешняя красивость.

МАНДАЛА (древнеинд. mandala – круг, диск) – один из важнейших сакральных символов буддийской мифологии – графическое изображение структуры вселенной в соответствии с представлениями буддизма.

Мандала впервые появилась в Индии и лежит в основе многих построений древнеиндийской культуры и искусства. В период средневековья, с распространением буддизма в других странах, она появилась и в искусстве Тибета, Монголии, Японии. Она представляет собой круг с вписанным в него квадратом. В этот квадрат, в свою очередь, вписан внутренний круг, разделенный на восемь частей. Квадрат ориентирован по сторонам света, каждой из которых соответствует определенный цвет: северу – зеленый, югу – желтый, востоку – белый, западу – красный. Посередине каждой из сторон квадрата находятся врата, продолжающиеся изображениями четырех небесных царей. В центре внутреннего круга изображен главный объект почитания – Будда.

С другой стороны, круг, разделенный на восемь частей, символизирует женское начало, а изображение в центре – мужское начало. Таким образом, это изображение представляет собой один из древнейших вариантов символа плодородия. Этим и обусловлена широкая распространенность мандалы в монгольском и китайском искусстве.

МАНЕРА – характер или способ исполнения художественного произведения, свойственный определенному мастеру, стилю или направлению.

В истории искусства термином манера также обозначаются иногда общие свойства исполнения, характерные для художника или художественной школы в определенный период творческой истории, например, «поздняя манера Тициана». Следовательно, применительно к художественной культуре манеру можно считать синонимом слова стиль. Она характеризуется рядом устойчивых признаков, повторяющихся от произведения к произведению независимо от конкретного сюжета или предмета изображения. Например, особенностью творческой манеры Ф. Малявина можно считать мастерскую работу с оттенками красного цвета, а для манеры В. Е. Маковского – с коричневыми тонами.

Творческая манера – понятие, применимое практически ко всем отраслям художественной культуры. Иногда, например в музыке, она мало меняется на протяжении творчества композитора, что становится его своеобразной визитной карточкой. Например, для музыки К. Дебюсси характерно плавное течение без резких ритмов, а сочинения Д. Шостаковича, напротив, построены на тончайших ритмических нюансах и переходах.

МАНЬЕРИЗМ (итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – направление в западноевропейском искусстве XVI века, отразившее кризис гуманистической культуры Возрождения. Внешне следуя мастерам Высокого Возрождения, маньеристы (в Италии живописцы Я. Понтормо, Пармиджанино, А. Бронзино, скульпторы Б. Челлини, Джамболонья) утверждали представление о неустойчивости мира, о власти иррациональных сил над человеком, шаткости человеческой судьбы.

Произведения маньеристов отличаются усложненностью, напряженностью образов, изощренностью форм. Фигуры на портретах приобретают удлиненную форму, художники часто прибегают к резким светотеневым переходам и цветовым диссонансам. Портретируемый находится в состоянии внутреннего напряжения.

Эти же черты видны и в архитектуре. Постройки приобретают излишнюю, даже гротескную орнаментированность, в которой множество символов, аллегорий. В известном смысле маньеризм представляет собой переходный этап от ренессансной четкости и ясности силуэта к принципам барокко, основанным на разрушении геометрически четких форм.