Музей Фогга Гарвард
Шрифт:
Наследие великого художника-постимпрессиониста в музее Фогга представлено также данной очень выразительной, лаконичной работой. Ее экспрессивная сила строится на отчаянной простоте соотнесения чуть сдвинутого влево автопортрета и интенсивного цвета морской волны с неразмешанными фрагментами зеленого с лимонным отливом. В полотнах, созданных летом 1888, Ван Гог охотно использует пронзительные оттенки темно-красного, лимонного, голубого. Особый внутренний посыл портрета заключается в том, что он был посвящен другу художника, не менее гениальному мастеру колористики Полю Гогену. Ван Гог в письмах признавался брату, что хотел бы поразить Гогена буйством своих красок, силой их воздействия на зрителя.
Поль Гоген — величайший французский живописец, лидер постимпрессионизма. Сила его таланта, широта художественных интересов и мера влияния на искусство XX века сравнимы с вкладом Поля Сезанна и Винсента Ван Гога.
Многогранное творчество мастера разделяется исследователями на несколько периодов, данный натюрморт представляет ранний, бретонский. Гоген работает в стиле постимпрессионизма, что проявляется в особой манере наносить краски, перенятой еще у импрессионистов. Он сопоставляет глубокий, пронзительный синий с ярко-красным и оранжевыми тонами персиков. Кажется, что это сочетание красок создает дополнительное пространство в картине. Интерес к переосмыслению перспективы и ракурсов объектов, находящихся в нем, свидетельствует о новых задачах, которыми увлеклись художники после великих колористических открытий импрессионистов. Гоген наряду с передовыми творцами того времени, такими, как Ренуар и Мане, был очарован классической японской живописью. Их интересовали самобытные традиции передачи перспективы, виртуозное, почти абстрактное по своей природе мастерство каллиграфии, пересмотр таких понятий европейского искусства, как «натура», «реализм», «гармония».
Этот натюрморт очень эстетский: в изящной шкатулке прошлых веков лежат сочные персики. Фрукты очень свежие, они написаны реалистично, при этом их расположение условно и носит вневременной характер. Будто это не выхваченный кусок реального мира, а фрагмент какого-то произведения искусства, ковра или ткани. Фактура, как у гобелена, свойственна бретонскому периоду творчества мастера.
Английский живописец Уильям Холман Хант является одним из основателей Братства прерафаэлитов — художественного течения европейского символизма.
Данная картина, как обычно бывает у символистов, чрезвычайно многозначна. Мастер создал полотно через сорок лет после того, как впервые увидел Схождение Благодатного огня в Иерусалиме. Эта церемония ортодоксальной ветви христианства трактована им как мистерия упадка европейской цивилизации, истинной веры, подмены религиозного чуда лицемерным спектаклем. Торжественный обряд оброс предрассудками и насилием. По мнению художника, даже сам интерьер церкви может считаться верхом безвкусицы. Гротеск виден во всем: ажиотированная толпа, преувеличенные жесты, активная мимика.
Без сомнения, Хант является прямым наследником таланта английского мастера XVIII века Уильяма Хогарта, для которого целью творчества стало обличение человеческих пороков с помощью живописи. Хант стремится добиться наибольшего впечатления при помощи преувеличений, он почти до отказа заполоняет полотно реалистично написанными фигурами людей. Их очень много, они возбуждены, живая человеческая масса роится, и зритель не сразу понимает, что действие происходит в церкви. Сразу вспоминаются великие художники прошлого, изображавшие людские пороки — Брейгель и Босх, прославившиеся смелыми пародиями на лицемерие и притворное благочестие.
Хант изображает представителей разных
Обри Бёрдслей — известнейший английский художник-график, иллюстратор и декоратор эпохи модерна. Мастер создал целую серию рисунков к французской версии одноактной пьесы Оскара Уайльда «Саломея». Она вызвала настоящий скандал своей откровенной чувственностью и неклассической трактовкой библейских событий, а иллюстрации к ней прославили Бёрдслея. Уайльд был глубоко оскорблен тем, что рисунки обсуждались и нравились больше, чем его собственное произведение.
Декоративное изящество подола, манера выполнения работы свидетельствуют о том, что мастер использовал стиль японских художников XVIII–XIX веков. Именно японскими гравюрами были увешаны стены гостиной Бёрдслея. Необходимо отметить гармоничное соотношение черного с незаполненными белыми частями листа. Это придает всему рисунку особую основательность и стабильность при, казалось бы, чистой орнаментальности стиля.
Испанец по происхождению, представитель французской школы, Пабло Пикассо считается величайшим живописцем XX века. Он прожил почти 100 лет, попробовав себя за столь долгий срок почти во всех художественных стилях.
Музей по праву гордится этим ранним шедевром Пикассо, который относится к «голубому периоду» его творчества. Это время в жизни мастера, с 1901 по 1904, было отмечено полотнами, где царит грусть, меланхолия и нужда. Главными героями стали нищие, старики, одинокие матери, бродячие артисты, то есть все те, кто, как и молодой художник, познал изнанку жизни. Фигура матери с ребенком изображена будто вне реальных времени и обстоятельств, герои служат, скорее, вечным символом одинокой души человека, стремящейся к любви. Несмотря на кажущийся выдуманный характер персонажей, Пикассо рисовал реально существовавших людей.
Галерея Дориа-Памфили — частная галерея с обширным собранием живописи, скульптуры и мебели во дворце Дориа-Памфили. Музей получил свое название по имени семьи владельцев обширного палаццо, частью которого он является, объединив имена достойных древних итальянских родов. Изначально ядро коллекции составляли картины Караваджо, среди которых знаменитое полотно «Отдых на пути в Египет», а также работы художников школы Эмилии (Пармиджанино, Корреджо). Затем коллекция пополнилась многочисленными шедеврами Тициана, Тинторетто, Беллини, Бассано, Бронзино, Лоренцо Лотто и многих других мастеров.