Пять прямых линий. Полная история музыки
Шрифт:
Часть II
Мир Средневековья
(500–1400 гг.)
Клаузула и трубадур, пролацио и бумбулум [95] … Язык и облик Средних веков кажутся нам загадочными. Они предвосхитили все то, что мы ныне знаем и используем: как звучит каденция; как различить консонанс и диссонанс; как записать ритм; какой инструмент подобает какому сочинению; даже представление о том, что у конкретных инструментов – собственная стандартная форма. Музыка того времени требовала, чтобы мы слушали ее и размышляли о ней особым образом.
95
Бумбулум – инструмент, описанный в апокрифическом письме Иеронима Стридонского и впоследствии изображенный в манускриптах X–XI веков; сорт колокольчиков или металлических пластин, закрепленных на прямоугольной раме.
Она вовсе
96
Цит. по: Эко У. Искусство и красота в средневековой эстетике. М.: ACT: CORPUS, 2015. С. 39.
97
Umberto Eco, Art and Beauty in the Middle Ages (New Haven, CT: Yale University Press, 2002), p. 15.
В следующих главах мы увидим, как музыка перешла с одной строки или голоса на несколько. Основным признаком средневековой музыкальной манеры является то, что многоголосная музыка создается путем прибавления голосов к уже существующей мелодии, почти всегда – хоралу, которая может излагаться различным образом. Этот cantus firmus (буквально – «твердый напев») исполнялся тенором (данное понятие образовано от латинского tenere, «держать»: тенор «выдерживал» хорал). Тенор был самым нижним голосом: верхние голоса могли быть дискантами или же иными вариантами. Возможно было добавлять голоса «вокруг» или «против» (contra) тенора (так получился контратенор). Голос выше тенора назывался альтом (altus), ниже – басом (bassus). Даже позднее, когда музыка перестала полагаться на существующие мелодии, медленное движение нижнего голоса против более подвижных верхних голосов оставалось характерной приметой средневековых стилей.
Эта музыка была представлена калейдоскопом различных форм, определяемых контекстом исполнения, нотной записью, текстом, техническими соображениями и другими причинами. Среди религиозных форм была клаузула (полифоническое изложение одного слова из хорального пассажа), кондукт (аккомпанирующее пение во время литургии), мотет (понятие, значение которого постоянно изменялось со временем) и множество других, часто переходных форм – трехголосный мотет мог печататься в разных манускриптах без тенора, что превращало его в двухголосный кондукт. Органум был ранним и наиболее простым способом разложения мелодии на два голоса. Рондель и гокет (последний, вероятно, получил название от слова «икота») – двумя способами обмена музыкальными фразами между голосами. Во множестве пьес использовались разные тексты (и даже разные языки) в различных голосах. Тропари представляли собой дополнительный текст – например, в день определенного святого, – включавшийся в фиксированную структуру литургии. У многих форм были и светские аналоги. Инструменты в свободной манере заполняли промежутки между текстом – без указания на то, который из них должен играть. Когда в 1960-е годы пионеры движения за возрождение ранней музыки принялись реконструировать ребеки, шалмеи и крумгорны, используя в качестве источников изображения, литературу и административные записи, – родился целый мир новых звуков. Когда в 1417 году умер Эрнул де Аль, каноник Камбре, среди его вещей обнаружились арфа, лютня, гитерн, ребек, две виелы и псалтерий – каноник определенно наслаждался музыкой как в церкви, так и вне ее.
Нотная запись трехголосного рефрена английского кэрола XV века There is no rose, выполненная в Тринити-колледже Кембриджа, на которой хорошо видны характерные цепочки трезвучий в первом обращении и не менее характерная терцо-секстовая каденция
Светские формы музыки включали в себя шансон, характерной приметой которого было использование двух равноправных нижних голосов и одного верхнего, и рондо, отличающееся определенной структурой текста с внутренними рефренами и повторами (в rondeau quatrain повторялось четыре строки, в rondeau cinquain три плюс две и т. д.), а также множество народных, военных и застольных песен, часто с местным и национальным колоритом. Некоторые их тексты были весьма приземленными, подобно игривой вульгарности Рабле и Чосера. Часто использовался акростих, в котором первые буквы строк составляли имя сочинителя или же какое-либо важное слово, – среди образованных людей в то время были крайне популярны загадки и игра слов. Песни, в которых текст и музыка находились в неизменных отношениях, со временем стали именоваться formes fixes («твердые формы»), – в первую очередь это были рондо, виреле и баллады. Другие музыкальные формы могли вбирать в себя любой текст в подходящем размере подобно тому, как это произошло
В числе характерных черт средневековой музыки была каденция Ландини, совершенно иная по звучанию и функции, нежели способы разрешения финального аккорда в модальной и тональной практике. В гармонии того времени консонансами признавались только кварты, квинты и октавы: приятность звучания терций и секст стала очевидна значительно позднее, что привело к возникновению основы современной музыки – трезвучия.
Совокупность перечисленных выше характеристик можно найти в технике, известной как фобурдон: метод украшения хорала с помощью импровизированных голосов, один из которых отстоял от мелодии на чистую кварту вверх, а другой – на терцию вниз (перемещаясь на квинту в каденциях и некоторых иных частях). Усвоившие этот принцип группы певчих способны были гармонизировать мелодию, имея на руках только сборник хоралов. Характерная терцо-секстовая аккордовая последовательность фобурдона, в частности, стала отличительной чертой английской музыки. Другой характерной чертой средневекового стиля было деление такта на три доли, а не на две. Большое число произведений того времени обладает метром, который в более позднее время будет назван составным: 6/8 или 9/8.
Нотация эволюционировала на протяжение всего того времени, о котором идет речь в настоящей части. Эта эволюция – ключевой фактор для понимания средневековой музыки: на каждом этапе ее развития композиторы и теоретики изобретали новые способы записи тех своих новых идей, которые они хотели воплотить.
Ранняя двухголосная музыка дошла до нас в виде музыкальных символов, записанных над строкой текста. Здесь еще нет никаких нотных линий: символы, известные как адиастематические невмы, указывают только подъем или спуск мелодической линии, но не диктуют, на какой интервал; они лишь являются подспорьем для памяти певца, заранее знающего нужную мелодию. В силу этого в точности реконструировать по ним музыку, увы, невозможно. Со временем (приблизительно в XII веке) невмы стали записываться на четырехлинейном нотном стане (хотя далеко не везде и не всегда), что было уже весьма практичным способом передачи звучания огромного корпуса сочинений, существовавшего к тому времени много столетий (и, разумеется, существующего до сих пор).
Для записи хорала не было необходимости в точности фиксировать ритм, поскольку в нем пелась только одна мелодическая линия. Когда же два и более голосов стали исполнять одновременно различные партии (полифоническая музыка), возникла необходимость с помощью нотации предписывать каждому певцу сохранять один и тот же ритм. Так появилась мензуральная, или «размеренная» нотация. Символы, сходные с прежними невмами, стали помещаться на (как правило) пятилинейный нотный стан и теперь имели определенную продолжительность относительно друг друга. Так, бревис делился на три семибревиса, которые далее делились на минимы (ноты малой длительности). Символы, более-менее похожие на современные метрические указатели (для которых иногда использовался другой цвет чернил), служили для обозначения того, на какие группы из двух или трех единиц (или же их сочетания) делится в данном случае такт сообразно со списком существующих ритмических модусов. Обычным было деление на три части, сходное с современным метром 6/8, из-за чего средневековая музыка, полная синкоп и перекрестных ритмов, имеет своеобразный танцевальный характер. Со временем появлялись ноты все меньшей продолжительности, что давало композитору большую свободу для их группирования. Символ лигатуры соединял две или три ноты, на которые приходился один слог. Певцы обычно читали каждый свои ноты подобно музыкантам современного симфонического оркестра. Нотные манускрипты часто были богато изукрашены, являя собой пример не только музыкального, но и изобразительного искусства. В инструментальной музыке зачастую использовались разнообразные формы табулатур, специфических для каждого инструмента, – по сути, графические таблицы аппликатур. Со временем, однако, их вытеснила современная нотация (за некоторым исключением инструментов семейства гитары).
Разумеется, как и во все прочие времена, в эпоху Средневековья существовала самая разная по характеру музыка: чосеровская Аббатиса «Смягчала хлад монашеского чина… / И, вслушиваясь в разговор соседний, / Все напевала в нос она обедню», а Мельник «бабник, балагур был и вояка… / Он на волынке громко заиграл, / Когда поутру город покидал» [98] [99] . Таковы звуки, эхо которых будет разноситься на следующих страницах.
98
Цит. по: Чосер Дж. Кентерберийские рассказы. М.: Наука, 2012. С. 10, 21.
99
Geoffrey Chaucer, ‘General Prologue’, The Canterbury Tales (1387–1400).
a) Невмы (без нотоносца), указывающие на подъем и спуск мелодической линии, без указания интервалов и высоты звуков.
b) Хоральная нотация: невмы на четырех линейках нотоносца, с ключом до на верхней линейке, указывающие на высоту и относительную продолжительность нот (однако не на точный ритм).
c) Мензуральная нотация на пяти линейках с использованием ключа до: точная ритмическая запись, позволяющая двум или более голосам петь вместе. Первые две ноты – лигатура. Справа – современная транскрипция.