Вековые тайны живописи. Ключи к великим шедеврам

Легран Елена

Скорее всего, Ришелье даже не подозревал, насколько символично для Франции было его приобретение, ведь изначально Леонардо создавал свою «Святую Анну» (как ее часто называют исследователи, для удобства сокращая название) именно для французского короля. Вернее, для королевы.

Бретань была настолько желанной территорией для французской короны, что ее наследница Анна стала женой аж двух французских королей – сперва Карла VIII, а после его смерти – Людовика XII, его преемника. Последний и заказал Леонардо, тогда еще проживавшему в Италии, большую картину, одним из центральных персонажей которой была бы Святая Анна, мать Девы Марии и небесная покровительница его жены. Общепринято утверждение, что король собирался подарить картину на день рождения супруги. Но лично мне это кажется совершенно невероятным прежде всего потому, что традиции праздновать дни рождения, даже если речь касалась монархов, в XVI веке просто-напросто не существовало.

Кроме

того, Леонардо не работал быстро. Современники мастера были свидетелями нескольких неприятных историй, когда один из самых востребованных художников подводил заказчиков, опаздывая в выполнении заказа на несколько… лет! Так что конкретной даты, тем более такой близкой, как некий условный «день рождения», просто не могло существовать, когда речь заходила о заказе, доверенном Леонардо да Винчи.

Но заказ от короля был, это нам известно. Как известно и то, что Леонардо, как всегда, опоздал. И на этот раз – катастрофически. Сперва скончалась Анна Бретонская, ради которой и создавался образ Святой Анны. Ровно год спустя этот мир покинул и заказчик. На французский престол взошел новый король. Франциск I [27] не был заинтересован в картине. Зато был очень заинтересован в ее авторе и употребил все свое влияние, сдобренное громкими званиями и приличным содержанием, чтобы завлечь Леонардо во Францию. Тогда-то, в 1517 году, великий мастер и привез с собой почти завершенную картину, начатую более 10 лет назад. Но довести работу до конца так и не успел, скончавшись полтора года спустя. Поистине, впору говорить о «проклятии “Святой Анны”»!

27

Франциск I (1494–1547) – король Франции с 1515 по 1547 год, чье царствование было ознаменовано расцветом французского Возрождения, конкордатом с Папой Римским Львом Х, пребыванием во Франции Леонардо да Винчи и Бенвенуто Челлини.

Впрочем, несмотря на свою незавершенность, «Святая Анна с Мадонной и Младенцем Христом» представляет собой целостное и глубокое произведение искусства и является вершиной творения большого мастера, совершившего настоящую революцию в живописи.

Именно об этой революции я и предлагаю поговорить на страницах данной книги.

Самое сложное в работе художника, когда сюжет уже задан, – это композиция [28] . Именно она отличает искусство от ремесла. Суть ее – в расположении фигур и предметов в пространстве картины таким образом, чтобы через их взаимодействие друг с другом зритель проник в замысел мастера и получил эстетическое удовольствие от его творения. Композиция – ключ к тому, что от какой-то картины мы глаз оторвать не можем, а какая-то производит ощущение незавершенности, хаотичности или «разобранности».

28

Композиция в живописи – взаимное расположение элементов живописного полотна, которое должно вызывать у зрителя ощущение единства, целостности и гармонии. Это структурная основа картины.

Композиция «Святой Анны» совершенна.

Леонардо использует здесь ставший уже привычным для него прием треугольно-пирамидальной композиции, который затем настолько прочно войдет в изобразительное искусство, что будет задавать тон в идеальном композиционном построении как живописных, так и скульптурных произведений на протяжении столетий (достаточно вспомнить знаменитую «Пьету» молодого Микеланджело [29] , где Богоматерь с мертвым телом Христа на коленях также «вписана» в треугольник)

29

Микеланджело Буонарроти (1475–1564) – итальянский скульптор, архитектор, живописец, поэт и мыслитель, один из титанов Итальянского Возрождения, автор росписи потолка и фрески «Страшный суд» в Сикстинской капелле в Ватиканском дворце, скульптуры Давида во Флоренции и архитектор купола собора Святого Петра в Риме. Скульптурная композиция «Пьета», выполненная им в 1499–1500 годы в возрасте 24 лет, стала его «входным билетом» в мир большого искусства.

Наверху пирамиды находится голова Анны, линия справа спускается по ее левой руке до головки Христа, а линия слева – по спине Марии до голубой драпировки ее мафория [30] .

И вот, скользя взглядом по контурам двух женских фигур, мы замечаем совершенно потрясающую вещь, заставляющую нас в изумлении остановиться, сперва не веря собственным глазам. В своем желании достичь абсолютной гармонии Леонардо настолько плотно

и витиевато соединяет тела двух женщин, что превращает их в одну! Приглядитесь! Голова и левая рука – от Анны, правая рука – от Марии, как и ноги, покрытые голубым мафорием. Ноги же Анны, настолько неестественно близко выдвинутые вперед, что мы не сразу понимаем, что они принадлежат именно ей, служат опорой этому странному, но такому гармоничному образу, созданному гением художника из слияния двух женщин.

30

Мафорий – накидка, которую женщины носили поверх туники в странах Ближнего Востока. С IX века мафорий почитался как священное одеяние Богоматери.

Вот в чем заключается секрет совершенной композиции «Святой Анны»!

Ни одному художнику ранее не удавалось столь виртуозно соединить две фигуры в единую плотную форму, не потерявшую при этом ни легкости, ни живости. Воздуха на картине действительно много. И несмотря на свой внушительный размер (если Анна поднимется на ноги, она выйдет за пределы рамы!), женщины не кажутся громоздкими или тяжеловесными: они невесомы в этом пространстве.

Для достижения художественной гармонии Леонардо вынужден был пойти на сознательное нарушение пропорций. Анна огромна по сравнению с сидящей на ее коленях Девой Марией. И если бы не сфумато [31] (которым Леонардо пользовался с таким мастерством, что многие именно ему приписывают изобретение этого способа передачи глубины пространства в живописи), то нам трудно было бы поверить, что Анна находится дальше Марии.

31

Сфумато – живописная техника, характеризующаяся мягкостью моделировки, плавностью тональных переходов, размытостью контуров. Главным образом используется для передачи глубины изобразительного пространства, воздушной среды и в этом смысле является одним из приемов воздушной и тональной перспективы.

Чтобы понять, что именно происходит на картине, нам необходимо проследить за взглядами и жестами героев. Персонажи Леонардо всегда полны жизни и энергии. Они буквально живут на картинах и нередко притягивают в свое пространство зрителя, посредством взглядов вступая с тем, кто находится по другую сторону рамы, в контакт.

Здесь же все не так.

Мы, зрители, находимся в совершенно ином измерении по отношению к тому, что происходит между героями в пространстве холста.

Композиционная пирамида выстроена таким образом, что наш взгляд спускается от старшего поколения – Анны – к младшему – ее дочери Марии – и наконец к маленькому Христу.

Параллельно мы следим за направлением их взглядов. Взгляд Анны идет к дочери. Полный нежности и теплоты взгляд Марии адресован ее Сыну. Маленький же Христос, оторвавшись от игры с ягненком, возвращает взгляд Матери. Даже ягненок, которого на секунду оставили в покое, с надеждой устремляет молящий взгляд на Мадонну, словно прося о заступничестве. Которое, к слову сказать, и получает: Дева Мария мягко, но настойчиво притягивает Сына к себе, призывая его оставить в покое несчастное животное.

Таким образом, Дева Мария становится смысловым центром композиции: все участники сцены обращают взгляд именно на нее. Она же целиком поглощена Сыном, в нем – цель ее существования.

Ягненок, безусловно, символизирует ту самую жертву, которую Христу предстоит принести своей мученической смертью на кресте во имя искупления первородного греха Адама и Евы. То есть сейчас, в тот самый момент, когда мы с вами смотрим на картину, Христос, мучающий невинного ягненка, поступает по отношению к нему точно так же, как люди поступят по отношению к нему самому 33 года спустя.

С этой точки зрения картину Леонардо можно трактовать как напоминание зрителям о том, на какое самопожертвование пойдут эти бабушка, мать и сын ради того, чтобы подарить человечеству спасение и жизнь вечную. Мы присутствуем при молчаливом, но оттого не менее выразительном проявлении величайшей и самой чистой любви – любви к Человеку, которого эпоха Возрождения превратила в центр мироздания и «меру всех вещей» [32] . Любовь эта выражается не только в муках, на которые пойдет Христос, но и, прежде всего, в той величайшей жертве, что принесет на алтарь Человечества Богоматерь, отдавшая на заклание, подобно жертвенному агнцу, самое дорогое, что может быть у матери – сына.

32

Фраза «Человек есть мера всех вещей», принадлежащая древнегреческому философу-софисту Протагору (ок. 485 г. до н. э. – 410 г. до н. э.), стала девизом эпохи Возрождения.